They Can’t Take That Away From Me: entre swing élégant et émotion retenue
Écrite en 1937 par George Gershwin, avec des paroles de son frère Ira, They Can’t Take That Away From Me fait son entrée dans le film Shall We Dance, (L’entreprenant Monsieur Petrov), interprétée par Fred Astaire. Peu après, la mort prématurée de George confère au morceau une résonance particulière, comme une élégie discrète à l’amour et à la mémoire.
Musicalement, la chanson repose sur une structure en 32 mesures, typique du Great American Songbook, avec une mélodie tout en finesse qui épouse la diction du texte. Ce dernier égrène les souvenirs d’un amour passé, mais sans rancœur ni pathos: ‘The way you wear your hat / The way you sip your tea…’ (La façon dont tu portes ton chapeau / La façon dont tu sirotes ton thé…). Autant de détails intimes et singuliers, érigés en rempart contre l’oubli.
Très vite, They Can’t Take That Away From Me séduit les musiciens de jazz, qui reconnaissent en elle un terrain d’expression privilégié. La ligne mélodique claire de They Can’t Take That Away From Me, sa grille harmonique souple et son atmosphère feutrée offrent un cadre idéal pour des interprétations à la fois personnelles et respectueuses de l’original.
Ici, la version de « They Can’t Take That Away From Me » enregistrée le 14 juillet 1945 à Hollywood, par le clarinettiste Artie Shaw et son orchestre: Don Palladino, Don Fagerquist, Dale Pierce et Vic Ford (trompettes), Sonny Russo, Fred Zito et Angie Calles Porky Cohen (trombones), Herb Steward et Frank Socolow (saxophones alto), Al Cohn et Zoot Sims (saxophones tenor), Danny Bank (saxophone baryton) Gil Barrios (piano), Jimmy Raney (guitare), Dick Niveson (basse) et Irv Kluger (batterie).
Cette version de « They Can’t Take That Away From Me », à la fois raffinée et émotionnellement dense, a été enregistrée vers la fin de la Seconde Guerre mondiale, cette performance se situe dans un moment charnière de l’histoire du jazz. Les Big Bands, qui dominaient la scène musicale des années 1930 et du début des années 1940, commencent à céder leur place aux formations plus réduites du bebop.
Cependant, Artie Shaw, fidèle à son style sophistiqué, conserve l’esprit du swing tout en explorant des nuances orchestrales et des arrangements complexes. Sa version de « They Can’t Take That Away From Me » incarne cette transition, où le jazz conserve ses racines dans le swing mais amorce une recherche d’expression plus personnelle. Artie Shaw débute cette version par une introduction élégante et légèrement mélancolique, où sa clarinette mène doucement l’auditeur dans l’univers du morceau.
La richesse des arrangements orchestraux se dévoile progressivement, chaque section (cuivres, bois, cordes) dialoguant de manière fluide pour enrichir la texture sonore. Le swing typique de Shaw donne au morceau un élan à la fois sophistiqué et accessible, sans jamais sacrifier la finesse du phrasé.
La clarinette de Shaw, véritable protagoniste, brille par sa fluidité et sa précision technique. Shaw jongle entre des notes veloutées et des envolées plus vives, traduisant toute la complexité émotionnelle de la chanson: une combinaison de nostalgie, d’espoir et d’élégance.
They Can’t Take That Away From Me: entre swing elegante y emoción contenida
Escrita en 1937 por George Gershwin, con letra de su hermano Ira, They Can’t Take That Away From Me aparece por primera vez en la película Shall We Dance (Ritmo loco), interpretada por Fred Astaire. Poco después, la muerte prematura de George otorga a la canción una resonancia particular, como una discreta elegía al amor y a la memoria.
Musicalmente, la pieza se basa en una estructura de 32 compases, típica del Great American Songbook, con una melodía sutil que acompaña con delicadeza el ritmo del texto. Este enumera recuerdos de un amor pasado, sin rencor ni dramatismo: The way you wear your hat / The way you sip your tea… (La forma en que llevas tu sombrero / La forma en que sorbes tu té…). Detalles íntimos y únicos, elevados a escudo contra el olvido.
Muy pronto, They Can’t Take That Away From Me conquistó a los músicos de jazz, que vieron en ella un espacio de expresión privilegiado. Su línea melódica clara, su armonía flexible y su atmósfera cálida ofrecen un marco ideal para interpretaciones personales, sin traicionar el espíritu del original.
Aquí, la versión de « They Can’t Take That Away From Me » grabada el 14 de julio de 1945 en Hollywood por el clarinetista Artie Shaw y su orquesta: Don Palladino, Don Fagerquist, Dale Pierce y Vic Ford (trompetas), Sonny Russo, Fred Zito y Angie Calles Porky Cohen (trombones), Herb Steward y Frank Socolow (saxofones alto), Al Cohn y Zoot Sims (saxofones tenor), Danny Bank (saxofón barítono), Gil Barrios (piano), Jimmy Raney (guitarra), Dick Niveson (contrabajo) e Irv Kluger (batería).
Esta versión de « They Can’t Take That Away From Me », tanto refinada como emocionalmente intensa, fue grabada hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, en un momento crucial en la historia del jazz. Las Big Bands, que habían dominado la escena musical de los años 1930 y principios de los 1940, comenzaban a dar paso a formaciones más reducidas del bebop.
Sin embargo, Artie Shaw, fiel a su estilo sofisticado, mantiene el espíritu del swing mientras explora matices orquestales y arreglos complejos. Su versión de « They Can’t Take That Away From Me » encarna esta transición, donde el jazz conserva sus raíces en el swing, pero inicia una búsqueda de una expresión más personal. Artie Shaw abre esta versión con una introducción elegante y ligeramente melancólica, donde su clarinete lleva al oyente al universo del tema.
La riqueza de los arreglos orquestales se despliega gradualmente, con cada sección (metales, maderas, cuerdas) dialogando de manera fluida para enriquecer la textura sonora. El swing característico de Shaw da a la pieza un impulso tanto sofisticado como accesible, sin sacrificar la delicadeza del fraseo.
El clarinete de Shaw, verdadero protagonista, brilla por su fluidez y precisión técnica. Shaw alterna entre notas aterciopeladas y pasajes más dinámicos, transmitiendo toda la complejidad emocional de la canción: una combinación de nostalgia, esperanza y elegancia.
They Can’t Take That Away From Me: tra swing elegante ed emozione trattenuta
Scritta nel 1937 da George Gershwin, con testo del fratello Ira, They Can’t Take That Away From Me fa il suo debutto nel film Shall We Dance (Voglio danzare con te), interpretata da Fred Astaire. Poco dopo, la morte prematura di George conferisce al brano una risonanza particolare, quasi una discreta elegia all’amore e alla memoria.
Dal punto di vista musicale, la canzone segue una struttura di 32 battute, tipica del Great American Songbook, con una melodia fine che aderisce perfettamente alla dizione del testo. Quest’ultimo elenca i ricordi di un amore passato, senza rancore né patetismi: The way you wear your hat / The way you sip your tea… (Il modo in cui porti il cappello / Il modo in cui sorseggi il tè…). Dettagli intimi e unici, elevati a baluardo contro l’oblio.
Ben presto, They Can’t Take That Away From Me conquista i musicisti jazz, che vi riconoscono un terreno di espressione privilegiato. La linea melodica limpida, la struttura armonica flessibile e l’atmosfera raccolta del brano offrono un contesto ideale per interpretazioni personali e rispettose dell’originale.
Qui, la versione di « They Can’t Take That Away From Me » registrata il 14 luglio 1945 a Hollywood dal clarinettista Artie Shaw e la sua orchestra: Don Palladino, Don Fagerquist, Dale Pierce e Vic Ford (trombe), Sonny Russo, Fred Zito e Angie Calles Porky Cohen (tromboni), Herb Steward e Frank Socolow (sassofoni alto), Al Cohn e Zoot Sims (sassofoni tenore), Danny Bank (sassofono baritono), Gil Barrios (pianoforte), Jimmy Raney (chitarra), Dick Niveson (contrabbasso) e Irv Kluger (batteria).
Questa versione di « They Can’t Take That Away From Me », sia raffinata che emotivamente densa, è stata registrata verso la fine della Seconda Guerra Mondiale, in un momento cruciale della storia del jazz. Le Big Band, che avevano dominato la scena musicale degli anni ‘30 e dei primi anni ‘40, iniziano a lasciare spazio alle formazioni più ridotte del bebop.
Tuttavia, Artie Shaw, fedele al suo stile sofisticato, conserva lo spirito dello swing pur esplorando sfumature orchestrali e arrangiamenti complessi. La sua versione di « They Can’t Take That Away From Me » incarna questa transizione, dove il jazz mantiene le sue radici nello swing, ma inizia una ricerca di espressione più personale. Artie Shaw apre questa versione con un’introduzione elegante e leggermente malinconica, in cui il suo clarinetto conduce delicatamente l’ascoltatore nell’universo del brano.
La ricchezza degli arrangiamenti orchestrali si rivela gradualmente, ogni sezione (ottoni, legni, archi) dialoga in modo fluido per arricchire la texture sonora. Lo swing tipico di Shaw conferisce al brano uno slancio sia sofisticato che accessibile, senza mai sacrificare la finezza del fraseggio.
Il clarinetto di Shaw, vero protagonista, brilla per la sua fluidità e precisione tecnica. Shaw alterna note vellutate a passaggi più vivaci, traducendo tutta la complessità emotiva del brano: una combinazione di nostalgia, speranza ed eleganza.
They Can’t Take That Away From Me: between elegant swing and quiet emotion
Written in 1937 by George Gershwin with lyrics by his brother Ira, They Can’t Take That Away From Me made its debut in the film Shall We Dance (The Enterprising Mr. Petrov), performed by Fred Astaire. Shortly afterward, George’s untimely death lent the piece a poignant depth, turning it into a quiet elegy for love and remembrance.
Musically, the song follows a 32-bar structure, typical of the Great American Songbook, with a delicate melody that mirrors the rhythm and tone of the lyrics. The text unfolds as a list of cherished memories from a past love, offered without bitterness or melodrama: The way you wear your hat / The way you sip your tea… Intimate, singular details, elevated as a defense against forgetfulness.
They Can’t Take That Away From Me quickly captivated jazz musicians, who recognized in it a rich space for interpretation. Its clear melodic line, flexible harmonic framework, and warm, understated atmosphere make it an ideal canvas for deeply personal yet faithful renditions.
Here is the version of « They Can’t Take That Away From Me » recorded on July 14, 1945, in Hollywood by clarinetist Artie Shaw and his orchestra: Don Palladino, Don Fagerquist, Dale Pierce, and Vic Ford (trumpets), Sonny Russo, Fred Zito, and Angie Calles Porky Cohen (trombones), Herb Steward and Frank Socolow (alto saxophones), Al Cohn and Zoot Sims (tenor saxophones), Danny Bank (baritone saxophone), Gil Barrios (piano), Jimmy Raney (guitar), Dick Niveson (bass), and Irv Kluger (drums).
This version of « They Can’t Take That Away From Me », both refined and emotionally dense, was recorded toward the end of World War II, a pivotal moment in jazz history. The Big Bands, which had dominated the music scene of the 1930s and early 1940s, were beginning to give way to the smaller bebop ensembles.
However, Artie Shaw, true to his sophisticated style, retained the spirit of swing while exploring orchestral nuances and complex arrangements. His version of « They Can’t Take That Away From Me » embodies this transition, where jazz keeps its roots in swing but begins a search for more personal expression. Artie Shaw begins this version with an elegant and slightly melancholic introduction, where his clarinet gently leads the listener into the world of the piece.
The richness of the orchestral arrangements gradually unfolds, each section (brass, woodwinds, strings) engaging in a fluid dialogue to enrich the sonic texture. Shaw’s characteristic swing gives the piece a momentum that is both sophisticated and accessible, without ever sacrificing the finesse of phrasing.
Shaw’s clarinet, the true protagonist, shines with its fluidity and technical precision. Shaw moves seamlessly between velvety notes and more dynamic passages, conveying all the emotional complexity of the song: a combination of nostalgia, hope, and elegance.
