Mood Indigo: une élégie bleue signée Duke Ellington
Composée en 1930 par Duke Ellington et Barney Bigard, avec des paroles d’Irving Mills, Mood Indigo s’est rapidement imposée comme un classique du jazz, alliant raffinement formel et pouvoir émotionnel.
Ellington, toujours en quête de sonorités nouvelles, conçoit Mood Indigo comme une expérimentation orchestrale audacieuse. Il renverse les conventions instrumentales: la clarinette joue dans un registre grave, le trombone explore des aigus inédits, et la trompette se glisse entre les deux.
Ce choix crée une texture sonore inédite, dense et feutrée, qui confère au morceau une profondeur émotionnelle immédiatement reconnaissable. La mélodie, lente et doucement sinueuse, déploie une atmosphère de mélancolie contenue, subtilement teintée de blues.
Le titre original, Dreamy Blues, traduisait déjà cette sensation de rêverie mélancolique. Rebaptisé Mood Indigo par Irving Mills, le morceau gagne une dimension poétique supplémentaire: l’indigo, entre bleu et violet, devient une métaphore sonore des états d’âme que suggère la musique — entre douceur, solitude, élégance et résignation.
L’élégance orchestrale de Jimmie Lunceford
Enregistrée les 4 et 5 septembre 1934 à New York, la version de Mood Indigo par Jimmie Lunceford et son orchestre offre une relecture singulière de la célèbre composition de Duke Ellington. Là où l’original évoquait une mélancolie feutrée et introspective, Lunceford insuffle une fraîcheur inattendue, portée par la discipline et la précision légendaires de son ensemble.
À cette époque, Lunceford dirige l’une des formations les plus respectées de l’ère swing, célèbre pour la qualité de ses arrangements et la rigueur de ses exécutions. Sous sa baguette, chaque musicien devient maillon d’un collectif où précision rythmique et clarté des timbres se conjuguent avec un sens aigu du spectacle.
Dans Mood Indigo, cette esthétique atteint une forme d’évidence. L’arrangement, repensé avec soin, donne une place particulière aux dialogues entre les cuivres et les bois, créant une texture sonore fluide et chatoyante. La clarinette et le saxophone alto y déploient des lignes délicatement nuancées, empreintes de lyrisme et de retenue.
Mood Indigo: una elegía azul firmada por Duke Ellington
Compuesta en 1930 por Duke Ellington y Barney Bigard, con letra de Irving Mills, Mood Indigo se impuso rápidamente como un clásico del jazz, combinando refinamiento formal y fuerza emocional.
Ellington, siempre en busca de nuevas sonoridades, concibió Mood Indigo como una audaz experimentación orquestal. Invirtió las convenciones instrumentales: el clarinete toca en un registro grave, el trombón explora agudos inéditos y la trompeta se sitúa entre ambos.
Esta elección genera una textura sonora inédita, densa y aterciopelada, que otorga a la pieza una profundidad emocional inmediatamente reconocible. La melodía, lenta y suavemente sinuosa, despliega una atmósfera de melancolía contenida, sutilmente impregnada de blues.
El título original, Dreamy Blues, ya expresaba esa sensación de ensoñación melancólica. Renombrada Mood Indigo por Irving Mills, la pieza adquiere una dimensión poética adicional: el índigo, entre el azul y el violeta, se convierte en una metáfora sonora de los estados de ánimo que sugiere la música — entre dulzura, soledad, elegancia y resignación.
La elegancia orquestal de Jimmie Lunceford
Grabada los días 4 y 5 de septiembre de 1934 en Nueva York, la versión de Mood Indigo interpretada por Jimmie Lunceford y su orquesta ofrece una lectura singular de la célebre composición de Duke Ellington. Mientras que la original evocaba una melancolía contenida e introspectiva, Lunceford aporta una frescura inesperada, sostenida por la disciplina y la precisión legendarias de su conjunto.
En aquel momento, Lunceford dirigía una de las formaciones más respetadas de la era del swing, reconocida por la calidad de sus arreglos y la rigurosidad de sus interpretaciones. Bajo su batuta, cada músico se convierte en eslabón de un colectivo donde la precisión rítmica y la claridad tímbrica se combinan con un agudo sentido del espectáculo.
En Mood Indigo, esta estética alcanza una forma de evidencia natural. El arreglo, cuidadosamente repensado, otorga un papel especial al diálogo entre metales y maderas, creando una textura sonora fluida y luminosa. El clarinete y el saxofón alto despliegan líneas sutilmente matizadas, impregnadas de lirismo y contención.
Mood Indigo: un’elegia in blu firmata Duke Ellington
Composta nel 1930 da Duke Ellington e Barney Bigard, con testo di Irving Mills, Mood Indigo si è rapidamente affermata come un classico del jazz, fondendo raffinatezza formale e intensità emotiva.
Ellington, sempre alla ricerca di nuove sonorità, concepì Mood Indigo come un’audace sperimentazione orchestrale. Sovverte le convenzioni strumentali: il clarinetto suona nei registri gravi, il trombone esplora altezze inedite, e la tromba si inserisce tra i due.
Questa scelta dà vita a una trama sonora inedita, densa e ovattata, che conferisce al brano una profondità emotiva immediatamente riconoscibile. La melodia, lenta e dolcemente sinuosa, crea un’atmosfera di malinconia trattenuta, sottilmente intrisa di blues.
Il titolo originale, Dreamy Blues, esprimeva già questa sensazione di sognante malinconia. Rinominato Mood Indigo da Irving Mills, il brano acquisisce una dimensione poetica ulteriore: l’indaco, tra il blu e il viola, diventa una metafora sonora degli stati d’animo evocati dalla musica — tra dolcezza, solitudine, eleganza e rassegnazione.
L’eleganza orchestrale di Jimmie Lunceford
Registrata il 4 e 5 settembre 1934 a New York, la versione di Mood Indigo eseguita da Jimmie Lunceford e dalla sua orchestra offre una rilettura singolare della celebre composizione di Duke Ellington. Mentre l’originale evocava una malinconia ovattata e introspettiva, Lunceford vi infonde una freschezza inattesa, sostenuta dalla disciplina e dalla precisione leggendarie del suo ensemble.
In quel periodo, Lunceford dirigeva una delle formazioni più rispettate dell’era swing, rinomata per la qualità degli arrangiamenti e la rigore delle esecuzioni. Sotto la sua direzione, ogni musicista diventa l’anello di un collettivo in cui precisione ritmica e chiarezza timbrica si fondono con un acuto senso dello spettacolo.
In Mood Indigo, questa estetica raggiunge una forma di evidenza compiuta. L’arrangiamento, rielaborato con cura, assegna un ruolo particolare al dialogo tra ottoni e legni, creando una tessitura sonora fluida e scintillante. Il clarinetto e il sassofono contralto vi tracciano linee delicatamente sfumate, pervase di lirismo e misura.
Mood Indigo: a blue elegy by Duke Ellington
Composed in 1930 by Duke Ellington and Barney Bigard, with lyrics by Irving Mills, Mood Indigo quickly established itself as a jazz classic, blending formal refinement with emotional power.
Ever in search of new soundscapes, Ellington conceived Mood Indigo as a bold orchestral experiment. He reversed instrumental conventions: the clarinet plays in a low register, the trombone explores unusual high notes, and the trumpet settles in between.
This choice created a unique, dense, and muted sound texture that gave the piece its instantly recognizable emotional depth. The melody, slow and gently winding, evokes an atmosphere of restrained melancholy, subtly tinged with blues.
The original title, Dreamy Blues, already conveyed this sense of melancholic reverie. Renamed Mood Indigo by Irving Mills, the piece gained an added poetic dimension: indigo—between blue and violet—becomes a sonic metaphor for the moods suggested by the music — a blend of gentleness, solitude, elegance, and resignation.
The orchestral elegance of Jimmie Lunceford
Recorded on September 4 and 5, 1934, in New York, Jimmie Lunceford and his orchestra’s version of Mood Indigo offers a distinctive reinterpretation of Duke Ellington’s celebrated composition. While the original conveyed a subdued, introspective melancholy, Lunceford brings an unexpected freshness, sustained by the legendary discipline and precision of his ensemble.
At the time, Lunceford led one of the most respected bands of the swing era, renowned for the quality of its arrangements and the rigor of its performances. Under his direction, each musician became part of a collective where rhythmic precision and tonal clarity merged with a keen sense of showmanship.
In Mood Indigo, this aesthetic reaches a clear expression. The carefully reimagined arrangement gives special emphasis to the dialogue between brass and woodwinds, creating a sound texture both fluid and shimmering. The clarinet and alto saxophone unfold delicately nuanced lines, imbued with lyricism and restraint.
