Mood Indigo: une élégie bleue signée Duke Ellington
Composée en 1930 par Duke Ellington et Barney Bigard, avec des paroles d’Irving Mills, Mood Indigo s’est rapidement imposée comme un classique du jazz, alliant raffinement formel et pouvoir émotionnel.
Ellington, toujours en quête de sonorités nouvelles, conçoit Mood Indigo comme une expérimentation orchestrale audacieuse. Il renverse les conventions instrumentales: la clarinette joue dans un registre grave, le trombone explore des aigus inédits, et la trompette se glisse entre les deux.
Ce choix crée une texture sonore inédite, dense et feutrée, qui confère au morceau une profondeur émotionnelle immédiatement reconnaissable. La mélodie, lente et doucement sinueuse, déploie une atmosphère de mélancolie contenue, subtilement teintée de blues.
Le titre original, Dreamy Blues, traduisait déjà cette sensation de rêverie mélancolique. Rebaptisé Mood Indigo par Irving Mills, le morceau gagne une dimension poétique supplémentaire: l’indigo, entre bleu et violet, devient une métaphore sonore des états d’âme que suggère la musique — entre douceur, solitude, élégance et résignation.
Dans l’Amérique des années 1930, marquée par la ségrégation, Mood Indigo incarne aussi le rêve d’un jazz capable de transcender les frontières sociales et raciales, en s’imposant comme langage universel.
Ici, l’enregistrement de « Mood Indigo » des 4 et 5 septembre 1934, à New York, par le saxophoniste Jimmie Lunceford et son orchestre. L’interprétation de Lunceford lui confère une fraîcheur inattendue et reflète à merveille les innovations orchestrales et stylistiques caractéristiques de son ensemble. Lunceford dirige alors l’un des orchestres les plus raffinés et disciplinés de l’ère swing, réputé pour ses arrangements sophistiqués, son humour musical subtil et ses prestations impeccables.
Contrairement à l’interprétation sombre et introspective d’Ellington, Lunceford introduit une légèreté qui, sans trahir l’essence mélancolique du morceau, met en valeur des nuances plus aériennes. En 1934, le jazz traverse une période de transformation. L’ère du swing gagne en popularité, marquée par l’essor des grands orchestres qui remplissent les salles de bal et captivent les auditeurs à la radio. Lunceford, aux côtés de chefs comme Ellington et Count Basie, redéfinit les attentes du public en montrant que la musique de danse peut aussi être sophistiquée et émotionnellement profonde.
La version de Lunceford repose sur une relecture inventive de l’arrangement. Les sections de cuivres et de bois, parfaitement synchronisées, s’engagent dans un dialogue subtil, jouant sur les contrastes dynamiques et les textures. La clarinette et le saxophone alto, souvent mis en avant dans cet enregistrement, créent une atmosphère plus fluide et rêveuse, tout en gardant l’ancrage émotionnel du morceau original.
L’importance de cet enregistrement réside également dans ce qu’il révèle sur le jazz comme art collectif. Lunceford, comme Ellington avant lui, comprend que chaque musicien apporte une contribution unique à l’interprétation. Dans cette version de « Mood Indigo » chaque section instrumentale –des cuivres vibrants aux cordes vocales subtiles– participe à un récit musical qui transcende les époques.
Mood Indigo: una elegía azul firmada por Duke Ellington
Compuesta en 1930 por Duke Ellington y Barney Bigard, con letra de Irving Mills, Mood Indigo se impuso rápidamente como un clásico del jazz, combinando refinamiento formal y fuerza emocional.
Ellington, siempre en busca de nuevas sonoridades, concibió Mood Indigo como una audaz experimentación orquestal. Invirtió las convenciones instrumentales: el clarinete toca en un registro grave, el trombón explora agudos inéditos y la trompeta se sitúa entre ambos.
Esta elección genera una textura sonora inédita, densa y aterciopelada, que otorga a la pieza una profundidad emocional inmediatamente reconocible. La melodía, lenta y suavemente sinuosa, despliega una atmósfera de melancolía contenida, sutilmente impregnada de blues.
El título original, Dreamy Blues, ya expresaba esa sensación de ensoñación melancólica. Renombrada Mood Indigo por Irving Mills, la pieza adquiere una dimensión poética adicional: el índigo, entre el azul y el violeta, se convierte en una metáfora sonora de los estados de ánimo que sugiere la música — entre dulzura, soledad, elegancia y resignación.
En la América de los años treinta, marcada por la segregación, Mood Indigo encarna también el sueño de un jazz capaz de trascender las fronteras sociales y raciales, imponiéndose como un lenguaje universal.
Aquí, la grabación de « Mood Indigo » realizada el 4 y 5 de septiembre de 1934 en Nueva York por el saxofonista Jimmie Lunceford y su orquesta. La interpretación de Lunceford le otorga una frescura inesperada y refleja maravillosamente las innovaciones orquestales y estilísticas características de su conjunto. Lunceford dirige entonces una de las orquestas más refinadas y disciplinadas de la era del swing, conocida por sus sofisticados arreglos, su humor musical sutil y sus actuaciones impecables.
A diferencia de la interpretación oscura e introspectiva de Ellington, Lunceford introduce una ligereza que, sin traicionar la esencia melancólica de la pieza, resalta matices más etéreos. En 1934, el jazz atraviesa un período de transformación. La era del swing gana popularidad, marcada por el auge de las grandes orquestas que llenan las salas de baile y cautivan a los oyentes en la radio. Lunceford, junto a directores como Ellington y Count Basie, redefine las expectativas del público al demostrar que la música de baile también puede ser sofisticada y emocionalmente profunda.
La versión de Lunceford se basa en una reinterpretación inventiva del arreglo. Las secciones de metales y maderas, perfectamente sincronizadas, entablan un diálogo sutil, jugando con los contrastes dinámicos y las texturas. El clarinete y el saxofón alto, a menudo destacados en esta grabación, crean una atmósfera más fluida y soñadora, manteniendo la esencia emocional de la pieza original.
La importancia de esta grabación también radica en lo que revela sobre el jazz como un arte colectivo. Lunceford, al igual que Ellington antes que él, comprende que cada músico aporta una contribución única a la interpretación. En esta versión de « Mood Indigo », cada sección instrumental –desde los metales vibrantes hasta las delicadas voces de las cuerdas– participa en un relato musical que trasciende las épocas.
Mood Indigo: un’elegia in blu firmata Duke Ellington
Composta nel 1930 da Duke Ellington e Barney Bigard, con testo di Irving Mills, Mood Indigo si è rapidamente affermata come un classico del jazz, fondendo raffinatezza formale e intensità emotiva.
Ellington, sempre alla ricerca di nuove sonorità, concepì Mood Indigo come un’audace sperimentazione orchestrale. Sovverte le convenzioni strumentali: il clarinetto suona nei registri gravi, il trombone esplora altezze inedite, e la tromba si inserisce tra i due.
Questa scelta dà vita a una trama sonora inedita, densa e ovattata, che conferisce al brano una profondità emotiva immediatamente riconoscibile. La melodia, lenta e dolcemente sinuosa, crea un’atmosfera di malinconia trattenuta, sottilmente intrisa di blues.
Il titolo originale, Dreamy Blues, esprimeva già questa sensazione di sognante malinconia. Rinominato Mood Indigo da Irving Mills, il brano acquisisce una dimensione poetica ulteriore: l’indaco, tra il blu e il viola, diventa una metafora sonora degli stati d’animo evocati dalla musica — tra dolcezza, solitudine, eleganza e rassegnazione.
Nella società americana degli anni Trenta, segnata dalla segregazione, Mood Indigo incarna anche il sogno di un jazz capace di superare le barriere sociali e razziali, imponendosi come linguaggio universale.
Qui, la registrazione di « Mood Indigo » realizzata il 4 e 5 settembre 1934 a New York dal sassofonista Jimmie Lunceford e dalla sua orchestra. L’interpretazione di Lunceford dona al brano una freschezza inaspettata e riflette perfettamente le innovazioni orchestrali e stilistiche caratteristiche del suo ensemble. Lunceford guida allora una delle orchestre più raffinate e disciplinate dell’era dello swing, celebre per i suoi arrangiamenti sofisticati, il suo sottile umorismo musicale e le sue esibizioni impeccabili.
A differenza dell’interpretazione oscura e introspettiva di Ellington, Lunceford introduce una leggerezza che, senza tradire l’essenza malinconica del brano, mette in evidenza sfumature più eteree. Nel 1934, il jazz attraversa un periodo di trasformazione. L’era dello swing guadagna popolarità, con l’ascesa delle grandi orchestre che riempiono le sale da ballo e affascinano gli ascoltatori alla radio. Lunceford, insieme a direttori come Ellington e Count Basie, ridefinisce le aspettative del pubblico, dimostrando che la musica da ballo può essere sofisticata e profondamente emozionale.
La versione di Lunceford si basa su una rilettura creativa dell’arrangiamento. Le sezioni di ottoni e legni, perfettamente sincronizzate, si impegnano in un dialogo sottile, giocando sui contrasti dinamici e sulle texture. Il clarinetto e il sassofono contralto, spesso protagonisti in questa registrazione, creano un’atmosfera più fluida e onirica, mantenendo l’essenza emotiva del brano originale.
L’importanza di questa registrazione risiede anche in ciò che rivela sul jazz come arte collettiva. Lunceford, come Ellington prima di lui, comprende che ogni musicista apporta un contributo unico all’interpretazione. In questa versione di « Mood Indigo », ogni sezione strumentale –dagli ottoni vibranti alle delicate voci delle corde– partecipa a un racconto musicale che trascende le epoche.
Mood Indigo: a blue elegy by Duke Ellington
Composed in 1930 by Duke Ellington and Barney Bigard, with lyrics by Irving Mills, Mood Indigo quickly established itself as a jazz classic, blending formal refinement with emotional power.
Ever in search of new soundscapes, Ellington conceived Mood Indigo as a bold orchestral experiment. He reversed instrumental conventions: the clarinet plays in a low register, the trombone explores unusual high notes, and the trumpet settles in between.
This choice created a unique, dense, and muted sound texture that gave the piece its instantly recognizable emotional depth. The melody, slow and gently winding, evokes an atmosphere of restrained melancholy, subtly tinged with blues.
The original title, Dreamy Blues, already conveyed this sense of melancholic reverie. Renamed Mood Indigo by Irving Mills, the piece gained an added poetic dimension: indigo—between blue and violet—becomes a sonic metaphor for the moods suggested by the music — a blend of gentleness, solitude, elegance, and resignation.
In 1930s America, marked by segregation, Mood Indigo also embodied the dream of a jazz capable of transcending social and racial boundaries, establishing itself as a universal language.
Here is the recording of « Mood Indigo » made on September 4 and 5, 1934, in New York by saxophonist Jimmie Lunceford and his orchestra. Lunceford’s interpretation gives the piece an unexpected freshness and perfectly reflects the stylistic and orchestral innovations characteristic of his ensemble. At the time, Lunceford led one of the most refined and disciplined orchestras of the swing era, renowned for its sophisticated arrangements, subtle musical humor, and impeccable performances.
Unlike Ellington’s dark and introspective rendition, Lunceford introduces a lightness that, without betraying the melancholy essence of the piece, highlights more ethereal nuances. In 1934, jazz was undergoing a period of transformation. The swing era was gaining popularity, marked by the rise of big bands that filled dance halls and captivated radio audiences. Lunceford, alongside leaders like Ellington and Count Basie, redefined audience expectations, demonstrating that dance music could also be sophisticated and emotionally profound.
Lunceford’s version is built on an inventive reinterpretation of the arrangement. The brass and woodwind sections, perfectly synchronized, engage in subtle dialogue, playing with dynamic contrasts and textures. The clarinet and alto saxophone, often spotlighted in this recording, create a more fluid and dreamy atmosphere while retaining the emotional core of the original piece.
The significance of this recording also lies in what it reveals about jazz as a collective art form. Like Ellington before him, Lunceford understood that each musician brings a unique contribution to the interpretation. In this version of « Mood Indigo », every instrumental section –from the vibrant brass to the delicate string-like voices– contributes to a musical narrative that transcends eras.
