Mood Indigo: une élégie bleue signée Duke Ellington
Composée en 1930 par Duke Ellington et Barney Bigard, avec des paroles d’Irving Mills, Mood Indigo s’est rapidement imposée comme un classique du jazz, alliant raffinement formel et pouvoir émotionnel.
Ellington, toujours en quête de sonorités nouvelles, conçoit Mood Indigo comme une expérimentation orchestrale audacieuse. Il renverse les conventions instrumentales: la clarinette joue dans un registre grave, le trombone explore des aigus inédits, et la trompette se glisse entre les deux.
Ce choix crée une texture sonore inédite, dense et feutrée, qui confère au morceau une profondeur émotionnelle immédiatement reconnaissable. La mélodie, lente et doucement sinueuse, déploie une atmosphère de mélancolie contenue, subtilement teintée de blues.
Le titre original, Dreamy Blues, traduisait déjà cette sensation de rêverie mélancolique. Rebaptisé Mood Indigo par Irving Mills, le morceau gagne une dimension poétique supplémentaire: l’indigo, entre bleu et violet, devient une métaphore sonore des états d’âme que suggère la musique — entre douceur, solitude, élégance et résignation.
Dans l’Amérique des années 1930, marquée par la ségrégation, Mood Indigo incarne aussi le rêve d’un jazz capable de transcender les frontières sociales et raciales, en s’imposant comme langage universel.
L’art orchestral selon Duke Ellington
Enregistrée le 14 octobre 1930, la première version de Mood Indigo révèle d’emblée le style singulier de Duke Ellington et inaugure une nouvelle manière de concevoir la musique orchestrale dans le jazz. Les rôles traditionnels sont inversés: les trompettes et le trombone, joués avec sourdine, assurent la ligne mélodique, tandis que les instruments graves se voient confier les hauteurs habituellement réservées aux registres aigus, et vice versa. Ce traitement inédit du timbre et de la texture sonore confère à la pièce une profondeur émotionnelle troublante, presque irréelle.
Aux côtés d’Ellington au piano, l’ensemble réunit Arthur Whetsol à la trompette, Joe ‘Tricky Sam’ Nanton au trombone, Barney Bigard à la clarinette, Fred Guy au banjo, Wellman Braud à la basse et Sonny Greer à la batterie.
L’innovation essentielle de cette version de Mood Indigo réside dans son orchestration, qui défie les conventions établies pour créer une harmonie étrange et envoûtante. Ellington y fait preuve d’une maîtrise remarquable des contrastes dynamiques et du silence, introduisant des respirations qui accentuent le caractère presque onirique de l’ensemble. Le résultat est une œuvre à la fois sophistiquée et accessible, où l’élégance formelle ne sacrifie jamais la charge émotionnelle.
Mood Indigo: una elegía azul firmada por Duke Ellington
Compuesta en 1930 por Duke Ellington y Barney Bigard, con letra de Irving Mills, Mood Indigo se impuso rápidamente como un clásico del jazz, combinando refinamiento formal y fuerza emocional.
Ellington, siempre en busca de nuevas sonoridades, concibió Mood Indigo como una audaz experimentación orquestal. Invirtió las convenciones instrumentales: el clarinete toca en un registro grave, el trombón explora agudos inéditos y la trompeta se sitúa entre ambos.
Esta elección genera una textura sonora inédita, densa y aterciopelada, que otorga a la pieza una profundidad emocional inmediatamente reconocible. La melodía, lenta y suavemente sinuosa, despliega una atmósfera de melancolía contenida, sutilmente impregnada de blues.
El título original, Dreamy Blues, ya expresaba esa sensación de ensoñación melancólica. Renombrada Mood Indigo por Irving Mills, la pieza adquiere una dimensión poética adicional: el índigo, entre el azul y el violeta, se convierte en una metáfora sonora de los estados de ánimo que sugiere la música — entre dulzura, soledad, elegancia y resignación.
En la América de los años treinta, marcada por la segregación, Mood Indigo encarna también el sueño de un jazz capaz de trascender las fronteras sociales y raciales, imponiéndose como un lenguaje universal.
El arte orquestal según Duke Ellington
Grabada el 14 de octubre de 1930, la primera versión de Mood Indigo revela de inmediato el estilo singular de Duke Ellington e inaugura una nueva forma de concebir la música orquestal en el jazz. Los roles tradicionales se invierten: las trompetas y el trombón, tocados con sordina, asumen la línea melódica, mientras que los instrumentos graves se encargan de registros habitualmente reservados a los agudos, y viceversa. Este tratamiento inédito del timbre y la textura sonora otorga a la pieza una profundidad emocional desconcertante, casi irreal.
Junto a Ellington al piano, el conjunto reúne a Arthur Whetsol en la trompeta, Joe ‘Tricky Sam’ Nanton en el trombón, Barney Bigard en el clarinete, Fred Guy en el banjo, Wellman Braud en el contrabajo y Sonny Greer en la batería.
La innovación esencial de esta versión de Mood Indigo reside en su orquestación, que desafía las convenciones establecidas para crear una armonía extraña y hechizante. Ellington demuestra un dominio notable de los contrastes dinámicos y del silencio, introduciendo pausas que refuerzan el carácter casi onírico del conjunto. El resultado es una obra tanto sofisticada como accesible, donde la elegancia formal nunca sacrifica la carga emocional.
Mood Indigo: un’elegia in blu firmata Duke Ellington
Composta nel 1930 da Duke Ellington e Barney Bigard, con testo di Irving Mills, Mood Indigo si è rapidamente affermata come un classico del jazz, fondendo raffinatezza formale e intensità emotiva.
Ellington, sempre alla ricerca di nuove sonorità, concepì Mood Indigo come un’audace sperimentazione orchestrale. Sovverte le convenzioni strumentali: il clarinetto suona nei registri gravi, il trombone esplora altezze inedite, e la tromba si inserisce tra i due.
Questa scelta dà vita a una trama sonora inedita, densa e ovattata, che conferisce al brano una profondità emotiva immediatamente riconoscibile. La melodia, lenta e dolcemente sinuosa, crea un’atmosfera di malinconia trattenuta, sottilmente intrisa di blues.
Il titolo originale, Dreamy Blues, esprimeva già questa sensazione di sognante malinconia. Rinominato Mood Indigo da Irving Mills, il brano acquisisce una dimensione poetica ulteriore: l’indaco, tra il blu e il viola, diventa una metafora sonora degli stati d’animo evocati dalla musica — tra dolcezza, solitudine, eleganza e rassegnazione.
Nella società americana degli anni Trenta, segnata dalla segregazione, Mood Indigo incarna anche il sogno di un jazz capace di superare le barriere sociali e razziali, imponendosi come linguaggio universale.
L’arte orchestrale secondo Duke Ellington
Registrata il 14 ottobre 1930, la prima versione di Mood Indigo rivela sin dall’inizio lo stile singolare di Duke Ellington e inaugura un nuovo modo di concepire la musica orchestrale nel jazz. I ruoli tradizionali vengono invertiti: trombe e trombone, suonati con sordina, assumono la linea melodica, mentre agli strumenti gravi vengono affidate altezze solitamente riservate ai registri acuti, e viceversa. Questo trattamento inedito del timbro e della tessitura sonora conferisce al brano una profondità emotiva sconcertante, quasi irreale.
Accanto a Ellington al pianoforte, l’ensemble riunisce Arthur Whetsol alla tromba, Joe ‘Tricky Sam’ Nanton al trombone, Barney Bigard al clarinetto, Fred Guy al banjo, Wellman Braud al contrabbasso e Sonny Greer alla batteria.
L’innovazione essenziale di questa versione di Mood Indigo risiede nella sua orchestrazione, che sfida le convenzioni stabilite per creare un’armonia singolare e ipnotica. Ellington dimostra una padronanza notevole dei contrasti dinamici e del silenzio, introducendo pause che accentuano il carattere quasi onirico dell’insieme. Il risultato è un’opera al tempo stesso sofisticata e accessibile, dove l’eleganza formale non sacrifica mai la carica emotiva.
Mood Indigo: a blue elegy by Duke Ellington
Composed in 1930 by Duke Ellington and Barney Bigard, with lyrics by Irving Mills, Mood Indigo quickly established itself as a jazz classic, blending formal refinement with emotional power.
Ever in search of new soundscapes, Ellington conceived Mood Indigo as a bold orchestral experiment. He reversed instrumental conventions: the clarinet plays in a low register, the trombone explores unusual high notes, and the trumpet settles in between.
This choice created a unique, dense, and muted sound texture that gave the piece its instantly recognizable emotional depth. The melody, slow and gently winding, evokes an atmosphere of restrained melancholy, subtly tinged with blues.
The original title, Dreamy Blues, already conveyed this sense of melancholic reverie. Renamed Mood Indigo by Irving Mills, the piece gained an added poetic dimension: indigo—between blue and violet—becomes a sonic metaphor for the moods suggested by the music — a blend of gentleness, solitude, elegance, and resignation.
In 1930s America, marked by segregation, Mood Indigo also embodied the dream of a jazz capable of transcending social and racial boundaries, establishing itself as a universal language.
Orchestral art according to Duke Ellington
Recorded on October 14, 1930, the first version of Mood Indigo immediately reveals Duke Ellington’s distinctive style and ushers in a new way of conceiving orchestral music in jazz. Traditional roles are reversed: trumpets and trombone, played with mutes, carry the melodic line, while lower-register instruments are assigned pitches usually reserved for higher ranges, and vice versa. This unprecedented approach to timbre and texture gives the piece an unsettling, almost otherworldly emotional depth.
Alongside Ellington on piano, the ensemble includes Arthur Whetsol on trumpet, Joe ‘Tricky Sam’ Nanton on trombone, Barney Bigard on clarinet, Fred Guy on banjo, Wellman Braud on bass, and Sonny Greer on drums.
The essential innovation of this version of Mood Indigo lies in its orchestration, which defies established conventions to create a strange and mesmerizing harmony. Ellington displays remarkable command of dynamic contrasts and silence, introducing breaths that highlight the ensemble’s dreamlike quality. The result is a work that is both sophisticated and accessible, where formal elegance never undermines emotional intensity.
