A Foggy Day: entre brume londonienne et clarté musicale
Composée par George Gershwin sur des paroles de son frère Ira, A Foggy Day est interprétée pour la première fois par Fred Astaire en 1937 dans le film A Damsel in Distress (Une demoiselle en détresse). Rapidement devenue un standard du jazz, elle s’impose aujourd’hui comme l’une des pièces maîtresses du Great American Songbook.
Le texte dépeint une déambulation solitaire dans un Londres enveloppé de brouillard, métaphore d’un état intérieur fait d’attente, de flottement et d’incertitude. Mais cette brume émotionnelle, loin de s’installer durablement, se dissipe progressivement à la faveur d’une rencontre inattendue. Le brouillard devient alors symbole de transition: il dissimule, mais il révèle aussi — il est l’écran derrière lequel peut surgir la lumière.
Musicalement, George Gershwin traduit cette atmosphère en dessinant une ligne mélodique souple et sinueuse, évoquant les contours mouvants d’une ville que l’on devine plus qu’on ne la voit. Les variations de registre, les inflexions subtiles et les harmonies raffinées confèrent à l’ensemble une profondeur expressive remarquable. Fidèle à l’esthétique des Gershwin, A Foggy Day marie sophistication harmonique et immédiateté mélodique, offrant aux interprètes un terrain riche pour l’exploration.
Billie Holiday et A Foggy Day: la brume comme miroir intérieur
Le 3 janvier 1957 à Los Angeles, Billie Holiday enregistre A Foggy Day pour l’album Songs for Distingué Lovers. Elle est entourée d’un sextet d’exception : Harry Edison à la trompette, Ben Webster au saxophone ténor, Jimmy Rowles au piano, Barney Kessel à la guitare, Red Mitchell à la basse, et Alvin Stoller à la batterie.
Cet enregistrement marque une étape importante dans la carrière de Holiday. Elle est alors une figure majeure du jazz, auréolée de légende, mais physiquement affaiblie et émotionnellement marquée. Sa voix, désormais plus rauque, moins agile, a gagné en profondeur expressive ce qu’elle a perdu en clarté. Elle devient l’instrument d’une sensibilité nue, où chaque inflexion raconte une histoire.
Dans cette version de A Foggy Day, Billie Holiday transforme la légèreté du morceau d’origine en une méditation grave sur la solitude et la résilience. La brume évoquée dans les paroles devient le reflet d’un monde intérieur traversé de blessures, mais aussi d’un espoir fragile, rendu d’autant plus touchant qu’il semble menacé.
L’accompagnement instrumental renforce cette atmosphère introspective. Les musiciens ne se contentent pas de suivre la chanteuse: ils dialoguent avec elle. Le jeu de Ben Webster, en particulier, s’inscrit dans une continuité lyrique qui épouse les respirations de Holiday, tissant un tissu sonore à la fois feutré et expressif. L’ensemble est d’une élégance retenue, propice à une écoute attentive.
En revisitant A Foggy Day, Billie Holiday ne réinterprète pas simplement un standard; elle en propose une lecture intime, viscérale. Elle en fait une œuvre personnelle, à la frontière du chant et de la confession, et en révèle toute la densité émotionnelle.
A Foggy Day: entre la niebla londinense y la claridad musical
Compuesta por George Gershwin, con letra de su hermano Ira, A Foggy Day fue interpretada por primera vez por Fred Astaire en 1937, en la película A Damsel in Distress (Damiselas en apuros). Convertida rápidamente en un estándar del jazz, hoy es reconocida como una de las joyas del Great American Songbook.
La letra describe un paseo solitario por un Londres envuelto en niebla: metáfora de un estado emocional suspendido entre la espera, la incertidumbre y la introspección. Pero esa niebla no se instala para quedarse; se disipa lentamente ante el imprevisto resplandor de un encuentro. Así, la bruma deja de ser obstáculo y se convierte en transición: oculta, pero también revela. Es el velo tras el cual puede surgir la luz.
George Gershwin traduce esa atmósfera en una melodía fluida y ondulante, que sigue las líneas difusas de una ciudad más intuidas que vistas. Los cambios de registro, las inflexiones discretas y las armonías sutiles otorgan a la obra una profundidad expresiva singular. Fiel al estilo de los Gershwin, A Foggy Day combina sofisticación armónica y claridad melódica, brindando a los intérpretes un terreno fértil para la exploración.
Billie Holiday y A Foggy Day: la niebla como espejo interior
El 3 de enero de 1957, en Los Ángeles, Billie Holiday graba A Foggy Day para el álbum Songs for Distingué Lovers. La acompaña un sexteto de primer nivel: Harry Edison (trompeta), Ben Webster (saxo tenor), Jimmy Rowles (piano), Barney Kessel (guitarra), Red Mitchell (contrabajo) y Alvin Stoller (batería).
Esta grabación marca un momento clave en la trayectoria de Holiday. En ese entonces, ya era una figura legendaria del jazz, pero su salud era frágil y su historia personal dejaba huellas visibles. Su voz, más áspera y menos ágil que en sus inicios, había ganado una profundidad expresiva que transformaba cada frase en una confesión. Cada inflexión revelaba una herida, una resistencia, una verdad íntima.
En esta interpretación, Holiday convierte la ligereza original de A Foggy Day en una meditación grave sobre la soledad y la capacidad de resistencia. La niebla, presente en el texto, deja de ser un simple escenario y se convierte en metáfora de un mundo interior herido pero aún esperanzado.
El acompañamiento instrumental subraya esta dimensión introspectiva. Los músicos no se limitan a acompañarla: dialogan con ella. En particular, Ben Webster establece con su saxo un contrapunto cálido y melancólico que respira al ritmo de la cantante, creando un tejido sonoro elegante y contenido.
Con esta versión, Billie Holiday no se limita a reinterpretar un estándar. Lo transforma en una obra íntima, a medio camino entre canción y confidencia. A Foggy Day se convierte en suya, en una declaración emocional de rara intensidad.
A Foggy Day: tra nebbia londinese e chiarezza musicale
Composta da George Gershwin su testo del fratello Ira, A Foggy Day fu interpretata per la prima volta da Fred Astaire nel 1937 nel film A Damsel in Distress (Una magnifica avventura). Diventata rapidamente uno standard del jazz, è oggi riconosciuta come uno dei capolavori del Great American Songbook.
Il testo evoca una passeggiata solitaria in una Londra avvolta dalla nebbia, metafora di uno stato d’animo sospeso tra attesa, incertezza e smarrimento. Ma questa bruma emotiva non si cristallizza: si dissolve gradualmente grazie a un incontro inatteso. La nebbia si trasforma così in simbolo di passaggio: nasconde, ma può anche rivelare — è lo schermo dietro cui può affacciarsi la luce.
Gershwin traduce questa atmosfera in una linea melodica fluida e sinuosa, che segue i contorni sfocati di una città appena percepita. Le modulazioni, le sfumature armoniche e le inflessioni eleganti conferiscono alla composizione una profondità espressiva notevole. In perfetta continuità con lo stile dei fratelli Gershwin, A Foggy Day unisce raffinatezza armonica e chiarezza melodica, offrendo agli interpreti un campo ricco di possibilità.
Billie Holiday e A Foggy Day: la nebbia come specchio interiore
Il 3 gennaio 1957 a Los Angeles, Billie Holiday incide A Foggy Day per l’album Songs for Distingué Lovers. Ad accompagnarla, un sestetto di altissimo livello: Harry Edison (tromba), Ben Webster (sax tenore), Jimmy Rowles (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Red Mitchell (contrabbasso) e Alvin Stoller (batteria).
Questa registrazione segna una tappa fondamentale nella carriera di Holiday. È già un’icona del jazz, ma segnata nel fisico e nell’animo. La sua voce, ora più ruvida e meno flessibile, ha acquisito una profondità espressiva unica. Ogni nota sembra rivelare qualcosa di vissuto, trasformando il canto in narrazione personale.
In questa versione di A Foggy Day, Holiday trasforma la leggerezza dell’originale in una riflessione intensa sulla solitudine e sulla fragilità della speranza. La nebbia diventa simbolo di un mondo interiore ferito, ma non privo di luce.
L’accompagnamento musicale contribuisce fortemente all’atmosfera. I musicisti non si limitano a seguire la voce: interagiscono con essa. In particolare, il sax di Ben Webster si fonde perfettamente con il timbro di Holiday, creando un dialogo intimo e raffinato, di grande intensità emotiva.
Holiday non si limita a reinterpretare un classico: lo riscrive dall’interno. Il suo A Foggy Day è un’opera personale, quasi autobiografica, che svela le profondità emotive celate dietro una semplice melodia.
A Foggy Day: between London mist and musical clarity
Composed by George Gershwin with lyrics by his brother Ira, A Foggy Day was first performed by Fred Astaire in the 1937 film A Damsel in Distress. It quickly became a jazz standard and is now recognized as one of the cornerstones of the Great American Songbook.
The lyrics evoke a solitary walk through a fog-covered London — a metaphor for a state of inner suspension, marked by waiting, drifting, and uncertainty. Yet this emotional haze slowly clears, giving way to the unexpected brightness of a chance encounter. The fog becomes a symbol of transition: it conceals, but it also reveals — a veil behind which light may appear.
Musically, Gershwin captures this mood through a graceful, meandering melody that mirrors the blurred contours of a city glimpsed through mist. Subtle inflections, shifts in register, and rich harmonic textures lend the piece remarkable depth. True to the Gershwin aesthetic, A Foggy Day blends harmonic sophistication with melodic immediacy, offering performers a nuanced and fertile ground for interpretation.
Billie Holiday and A Foggy Day: the mist as inner mirror
On January 3, 1957, in Los Angeles, Billie Holiday recorded A Foggy Day for her album Songs for Distingué Lovers. She was joined by an outstanding sextet: Harry Edison (trumpet), Ben Webster (tenor sax), Jimmy Rowles (piano), Barney Kessel (guitar), Red Mitchell (bass), and Alvin Stoller (drums).
This session marked a turning point in Holiday’s career. By then, she was already a jazz icon — revered, yet visibly affected by years of personal hardship. Her voice, rougher and less agile than in her early years, had become an instrument of raw emotional depth. Every nuance, every breath carried the weight of experience.
In this rendition, Holiday transforms the song’s original lightness into a somber meditation on solitude and fragile hope. The mist, mentioned in the lyrics, becomes a metaphor for an inner world marked by loss, yet still capable of light.
The instrumental backing enhances this introspective atmosphere. The musicians don’t merely accompany her — they engage in dialogue. Ben Webster’s saxophone, in particular, creates a lyrical line that mirrors Holiday’s phrasing, weaving a soundscape that is both restrained and expressive.
In revisiting A Foggy Day, Billie Holiday doesn’t simply reinterpret a standard; she reclaims it. Her version is personal, visceral, and emotionally charged — part song, part confession — revealing layers of meaning that elevate it beyond its original context.
