I Got It Bad: une ballade entre blues et élégance orchestrale
Genèse et contexte scénique
Composée en 1941 par Duke Ellington sur des paroles de Paul Francis Webster, I Got It Bad (and That Ain’t Good) illustre la capacité du jazz orchestral à intégrer l’expression intime du blues sans en atténuer la profondeur. La chanson est créée le 10 juillet 1941 au Mayan Theatre de Los Angeles, dans la revue Jump for Joy, qui comptera 101 représentations. Conçue comme un projet artistique et politique ambitieux, cette production offre à Ellington un cadre idéal pour affirmer une écriture à la fois raffinée et intensément expressive.
Première interprétation et écriture musicale
La première interprétation publique est confiée à Ivie Anderson, collaboratrice essentielle du Duke Ellington Orchestra. Son timbre chaleureux, empreint de retenue et de douleur contenue, confère une densité particulière au texte, marqué par la résignation amoureuse. L’introduction instrumentale, dominée par le piano d’Ellington, installe une atmosphère plaintive et feutrée. Cuivres et bois interviennent ensuite avec une grande économie de moyens, dessinant un accompagnement subtil où chaque couleur orchestrale est pesée avec précision.
Diffusion et postérité
Peu avant l’enregistrement officiel, le morceau est interprété par le Duke Ellington Orchestra avec Ivie Anderson au chant et Johnny Hodges au saxophone alto, Ellington restant au piano. Moins d’un mois plus tard, l’orchestre de Benny Goodman en propose une lecture contrastée, portée par la voix de Peggy Lee et la trompette de Cootie Williams, récemment passé de l’univers d’Ellington à celui de Goodman. Cette circulation rapide confirme le statut de I Got It Bad comme ballade majeure, capable de traverser styles et formations sans perdre son intensité émotionnelle.
Kenny Burrell: blues feutré et élégance nocturne
Enregistrée à Berkeley (Californie) entre le 18 et le 20 juin 1974, la version de I Got It Bad (And That Ain’t Good) proposée par Kenny Burrell figure sur l’album Stormy Monday Blues, témoignage raffiné d’un guitariste en pleine maturité. Accompagné par un trio complice — Richard Wyands au piano, John Heard à la contrebasse et Lenny McBrowne à la batterie — Burrell revisite ici quelques standards dans un climat intime et feutré, à la croisée du jazz et du blues.
En 1974, Burrell est déjà reconnu comme l’un des maîtres de la guitare jazz, salué pour son phrasé chantant, son toucher chaleureux et son sens aigu du swing. Sur ce premier ensemble de prises, il s’inscrit dans une esthétique de la retenue expressive. Dans I Got It Bad, il privilégie la nuance au spectaculaire, explorant les inflexions mélancoliques de la ballade de Duke Ellington avec une sobriété touchante. La complicité avec Wyands est palpable, notamment sur Paris Blues, où les harmonies discrètes du piano prolongent le souffle introspectif de la guitare.
L’album s’ouvre sur Stormy Monday Blues, amorcé par un motif mélodique esquissé à la basse par John Heard, qui installe d’emblée un groove détendu propice à un long solo bluesy de Burrell. One for My Baby (And One More for the Road) prolonge cette atmosphère de fin de soirée, entre confidence et élégance. Une variation bienvenue survient avec Why Did I Choose You, interprété en solo par Burrell, dans un moment de grâce suspendue.
Le second ensemble, plus électrique, fait intervenir Jerome Richardson (saxophone), Kirk Lightsey (piano électrique), Stanley Gilbert (basse) et Eddie Marshall (batterie). Les compositions originales, comme Three Thousand Miles Back Home, s’inscrivent dans une esthétique typique des années 1970, aux accents funk et aux claviers datés. Moins marquantes, ces pièces contrastent avec l’équilibre et la profondeur du premier set.
I Got It Bad: una balada entre blues y elegancia orquestal
Génesis y contexto escénico
Compuesta en 1941 por Duke Ellington con letra de Paul Francis Webster, I Got It Bad (and That Ain’t Good) demuestra la capacidad del jazz orquestal para integrar la expresión íntima del blues sin diluir su profundidad. La canción se estrena el 10 de julio de 1941 en el Mayan Theatre de Los Ángeles, dentro de la revista Jump for Joy, que alcanzará 101 funciones. Concebida como un proyecto artístico y político ambicioso, esta producción ofrece a Ellington un marco ideal para afirmar una escritura refinada y profundamente expresiva.
Primera interpretación y escritura musical
La primera interpretación pública corre a cargo de Ivie Anderson, colaboradora esencial del Duke Ellington Orchestra. Su timbre cálido, marcado por la contención y un dolor contenido, otorga una densidad particular a la letra, atravesada por la resignación amorosa. La introducción instrumental, dominada por el piano de Ellington, establece una atmósfera melancólica y velada. Metales y maderas intervienen luego con gran economía de medios, construyendo un acompañamiento sutil en el que cada color orquestal está cuidadosamente medido.
Difusión y posteridad
Poco antes de la grabación oficial, el tema es interpretado por el Duke Ellington Orchestra con Ivie Anderson en la voz y Johnny Hodges al saxofón alto, con Ellington al piano. Menos de un mes después, la orquesta de Benny Goodman ofrece una versión contrastada, impulsada por la voz de Peggy Lee y la trompeta de Cootie Williams, recientemente incorporado tras dejar el grupo de Ellington. Esta rápida circulación confirma a I Got It Bad como una balada mayor, capaz de atravesar estilos y formaciones sin perder su intensidad emocional.
Kenny Burrell: blues atenuado y elegancia nocturna
Grabada en Berkeley (California) entre el 18 y el 20 de junio de 1974, la versión de I Got It Bad (And That Ain’t Good) que ofrece Kenny Burrell forma parte del álbum Stormy Monday Blues, un testimonio refinado de un guitarrista en plena madurez artística. Acompañado por un trío cómplice —Richard Wyands al piano, John Heard al contrabajo y Lenny McBrowne a la batería—, Burrell revisita varios estándares en un clima íntimo y contenido, entre el jazz y el blues.
En 1974, Burrell ya era reconocido como uno de los grandes maestros de la guitarra jazz, celebrado por su fraseo melódico, su calidez sonora y su sentido del swing. En esta primera serie de grabaciones, opta por una estética de sobriedad expresiva. En I Got It Bad, elige la sutileza por encima del dramatismo, explorando con ternura las inflexiones melancólicas de la balada de Duke Ellington. La complicidad con Wyands es evidente, especialmente en Paris Blues, donde las armonías del piano prolongan con discreción el aliento introspectivo de la guitarra.
El álbum se abre con Stormy Monday Blues, iniciado por una línea melódica esbozada por la contrabajo de Heard, que establece un groove relajado para un extenso solo lleno de blues por parte de Burrell. One for My Baby (And One More for the Road) prolonga esa atmósfera de confidencia nocturna. Un momento de gracia suspendida llega con Why Did I Choose You, interpretado por Burrell en solo.
El segundo set, más eléctrico, incluye a Jerome Richardson (saxo), Kirk Lightsey (piano eléctrico), Stanley Gilbert (bajo) y Eddie Marshall (batería). Las composiciones originales, como Three Thousand Miles Back Home, presentan una estética muy de los años 70, con teclados y líneas de bajo funky que delatan su época. Aunque no desentonan, estos temas contrastan con el equilibrio y la profundidad del primer conjunto.
I Got It Bad: una ballata tra blues ed eleganza orchestrale
Genesi e contesto scenico
Composta nel 1941 da Duke Ellington su parole di Paul Francis Webster, I Got It Bad (and That Ain’t Good) dimostra la capacità del jazz orchestrale di integrare l’espressione intima del blues senza attenuarne la profondità. La canzone debutta il 10 luglio 1941 al Mayan Theatre di Los Angeles, all’interno della rivista Jump for Joy, che raggiungerà 101 repliche. Pensata come un progetto artistico e politico ambizioso, la produzione offre a Ellington il contesto ideale per affermare una scrittura al tempo stesso raffinata e intensamente espressiva.
Prima interpretazione e scrittura musicale
La prima esecuzione pubblica è affidata a Ivie Anderson, collaboratrice fondamentale del Duke Ellington Orchestra. Il suo timbro caldo, segnato da una dolorosa misura espressiva, conferisce al testo una densità particolare, attraversata dalla rassegnazione amorosa. L’introduzione strumentale, dominata dal pianoforte di Ellington, crea un’atmosfera mesta e ovattata. Ottoni e legni intervengono poi con grande parsimonia, costruendo un accompagnamento sottile in cui ogni colore orchestrale è calibrato con precisione.
Diffusione ed eredità
Poco prima della registrazione ufficiale, il brano viene eseguito dal Duke Ellington Orchestra con Ivie Anderson alla voce e Johnny Hodges al sax alto, con Ellington al pianoforte. Meno di un mese dopo, l’orchestra di Benny Goodman propone una lettura contrastante, sostenuta dalla voce di Peggy Lee e dalla tromba di Cootie Williams, appena passato dall’universo di Ellington a quello di Goodman. Questa rapida circolazione conferma I Got It Bad come una ballata di riferimento, capace di attraversare stili e organici senza perdere intensità emotiva.
Kenny Burrell: blues ovattato ed eleganza notturna
Registrata a Berkeley (California) tra il 18 e il 20 giugno 1974, la versione di I Got It Bad (And That Ain’t Good) firmata da Kenny Burrell appare nell’album Stormy Monday Blues, una testimonianza raffinata di un chitarrista nella piena maturità artistica. Affiancato da un trio affiatato —Richard Wyands al pianoforte, John Heard al contrabbasso e Lenny McBrowne alla batteria— Burrell rilegge alcuni standard in un’atmosfera intima e ovattata, tra jazz e blues.
Nel 1974, Burrell era già riconosciuto come uno dei grandi maestri della chitarra jazz, lodato per il suo fraseggio cantabile, il tocco caldo e il senso innato dello swing. In questo primo set, adotta un’estetica della sobrietà espressiva. In I Got It Bad, privilegia la sfumatura all’effetto, esplorando con delicatezza le inflessioni malinconiche della ballata di Duke Ellington. L’intesa con Wyands è evidente, soprattutto in Paris Blues, dove le armonie del piano accompagnano con discrezione il respiro introspettivo della chitarra.
L’album si apre con Stormy Monday Blues, introdotto da una linea melodica tratteggiata dal contrabbasso di Heard, che stabilisce subito un groove rilassato su cui Burrell costruisce un lungo assolo impregnato di blues. One for My Baby (And One More for the Road) prolunga questa atmosfera serale, tra confidenza e eleganza. Un cambio di tono arriva con Why Did I Choose You, eseguito in solo da Burrell, in un momento di grazia sospesa.
Il secondo set, più elettrico, coinvolge Jerome Richardson (sax), Kirk Lightsey (pianoforte elettrico), Stanley Gilbert (basso) ed Eddie Marshall (batteria). I brani originali, come Three Thousand Miles Back Home, presentano una sonorità tipicamente anni Settanta, con accenti funk e tastiere datate. Sebbene non privi di interesse, questi pezzi risultano meno incisivi rispetto all’equilibrio del primo set.
I Got It Bad: a ballad between blues and orchestral elegance
Genesis and stage context
Composed in 1941 by Duke Ellington with lyrics by Paul Francis Webster, I Got It Bad (and That Ain’t Good) demonstrates the ability of orchestral jazz to absorb the intimate language of the blues without diminishing its depth. The song premiered on July 10, 1941, at the Mayan Theatre in Los Angeles as part of the revue Jump for Joy, which ran for 101 performances. Conceived as an ambitious artistic and political project, the production provided Ellington with an ideal framework to assert a style that is both refined and deeply expressive.
First performance and musical writing
The first public performance was entrusted to Ivie Anderson, a key collaborator within the Duke Ellington Orchestra. Her warm timbre, marked by restraint and contained pain, gives particular weight to the lyrics, shaped by romantic resignation. The instrumental introduction, led by Ellington’s piano, establishes a plaintive and hushed atmosphere. Brass and woodwinds then enter with notable economy, creating a subtle accompaniment in which each orchestral color is carefully balanced.
Dissemination and legacy
Shortly before the official recording, the piece was performed by the Duke Ellington Orchestra with Ivie Anderson on vocals and Johnny Hodges on alto saxophone, Ellington remaining at the piano. Less than a month later, Benny Goodman’s orchestra offered a contrasting interpretation, carried by the voice of Peggy Lee and the trumpet of Cootie Williams, who had recently moved from Ellington’s ensemble to Goodman’s. This rapid circulation confirmed I Got It Bad as a major ballad, capable of crossing styles and ensembles without losing its emotional intensity.
Kenny Burrell: hushed blues and nocturnal elegance
Recorded in Berkeley, California, between June 18 and 20, 1974, Kenny Burrell’s rendition of I Got It Bad (And That Ain’t Good) appears on the album Stormy Monday Blues, a refined portrait of the guitarist in full artistic maturity. Backed by a tight-knit trio — Richard Wyands on piano, John Heard on bass, and Lenny McBrowne on drums — Burrell revisits several standards in an intimate, subdued atmosphere that blends jazz and blues.
By 1974, Burrell was already acclaimed as one of jazz guitar’s great stylists, known for his lyrical phrasing, warm tone, and impeccable swing. On this first set of recordings, he embraces an aesthetic of expressive restraint. In I Got It Bad, he favors nuance over drama, drawing out the ballad’s melancholic contours with touching simplicity. His rapport with Wyands is especially striking on Paris Blues, where the pianist’s understated harmonies extend the introspective tone of the guitar.
The album opens with Stormy Monday Blues, introduced by a melodic bass figure from Heard that sets a relaxed groove for a long, bluesy solo by Burrell. One for My Baby (And One More for the Road) continues this late-night mood with grace and intimacy. A welcome variation comes with Why Did I Choose You, performed solo by Burrell in a moment of suspended lyricism.
The second set shifts to a more electric sound, featuring Jerome Richardson (sax), Kirk Lightsey (electric piano), Stanley Gilbert (bass), and Eddie Marshall (drums). Original tracks like Three Thousand Miles Back Home reflect a distinctly 1970s aesthetic, marked by funky basslines and vintage keyboard textures. While these tracks have their charm, they lack the balance and depth of the earlier sessions.
