On Green Dolphin Street: du grand écran au répertoire jazz
Composée en 1947 par Bronislau Kaper, avec des paroles de Ned Washington, On Green Dolphin Street est initialement écrite pour la bande originale du film hollywoodien Green Dolphin Street (Le Pays du dauphin vert), adaptation du roman d’Elizabeth Goudge publiée trois ans plus tôt. Réalisé par Victor Saville, le film met en vedette Lana Turner, Van Heflin et Donna Reed. La musique du long-métrage est interprétée par l’orchestre de Jimmy Dorsey, dans un style orchestral typique de l’époque.
Bien que conçue pour le cinéma, la chanson connaît une véritable renaissance plus d’une décennie plus tard, lorsque Miles Davis l’intègre à son répertoire en 1958. Son interprétation, enregistrée avec une formation comprenant John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Paul Chambers et Jimmy Cobb, propulse On Green Dolphin Street au rang de standard moderne, immédiatement adopté par des générations de musiciens.
Ce morceau se distingue par une structure harmonique subtile, marquée par des modulations et des contrastes dynamiques qui en font un terrain de jeu privilégié pour l’improvisation. Il conjugue les influences de la musique classique européenne, de la chanson populaire américaine et des rythmes afro-cubains, offrant une richesse rythmique et mélodique particulièrement inspirante.
Albert Ayler: une déchirure dans le tissu du jazz
Lorsqu’Albert Ayler enregistre On Green Dolphin Street le 14 janvier 1963 à Copenhague, il est encore inconnu du grand public. L’album My Name Is Albert Ayler marque ses débuts discographiques en leader, mais son interprétation du standard popularisé par Miles Davis déroute autant qu’elle intrigue. Loin de toute esthétique post-bop policée, Ayler aborde le morceau comme un champ de tension entre tradition et expression brute. Le thème, à peine esquissé, sert surtout de point de départ à une exploration intensément personnelle.
Son saxophone ténor s’élève, âpre, implorant, déchiré entre lyrisme et cri. Ayler semble vouloir faire exploser la structure harmonique pour atteindre une forme de vérité émotionnelle nue. Sa sonorité, rugueuse et vibrante, évoque le chant humain dans ce qu’il a de plus vulnérable. Derrière lui, le trio scandinave – Niels-Henning Ørsted Pedersen (à peine âge de 16 ans!) à la contrebasse, Nils-Bertil Dahlander à la batterie et le pianiste Nils Bronsted – tente de maintenir un cadre, mais c’est Ayler qui impose sa logique: celle du dépassement.
Cette lecture singulière, encore enracinée dans le langage du jazz traditionnel, annonce pourtant les fulgurances du free jazz à venir. On y entend déjà le refus des conventions formelles, l’urgence de dire, coûte que coûte, quelque chose de profond sur la condition humaine. En 1963, peu étaient prêts à entendre ce cri venu du futur. Mais rétrospectivement, cette interprétation s’impose comme un moment charnière, un signal précoce de la révolution à venir.
On Green Dolphin Street: del cine al repertorio del jazz
Compuesta en 1947 por Bronislau Kaper, con letra de Ned Washington, On Green Dolphin Street fue escrita originalmente para la banda sonora de la película hollywoodense Green Dolphin Street (titulada en español El país del delfín verde), una adaptación del libro homónimo de Elizabeth Goudge publicado tres años antes. Dirigido por Victor Saville, el filme estuvo protagonizado por Lana Turner, Van Heflin y Donna Reed. La música fue interpretada por la orquesta de Jimmy Dorsey, en un estilo orquestal característico de la época.
Aunque nació como música de cine, la pieza vivió una auténtica resurrección más de una década después, cuando Miles Davis la incorporó a su repertorio en 1958. Su versión, grabada con un sexteto de lujo formado por John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Paul Chambers y Jimmy Cobb, convirtió On Green Dolphin Street en un estándar moderno, adoptado de inmediato por varias generaciones de músicos.
La composición se distingue por una estructura armónica sutil, con modulaciones y contrastes dinámicos que ofrecen un terreno fértil para la improvisación. Combina influencias de la música clásica europea, de la canción popular estadounidense y de los ritmos afrocubanos, lo que le otorga una riqueza melódica y rítmica especialmente sugerente.
Albert Ayler: una desgarradura en el tejido del jazz
Cuando Albert Ayler graba On Green Dolphin Street el 14 de enero de 1963 en Copenhague, aún es un desconocido para el gran público. El álbum My Name Is Albert Ayler marca su debut discográfico como líder, pero su interpretación del estándar popularizado por Miles Davis desconcierta tanto como fascina. Alejado de cualquier estética post-bop pulida, Ayler aborda el tema como un campo de tensión entre la tradición y la expresión desnuda. El tema, apenas esbozado, sirve sobre todo como punto de partida para una exploración intensamente personal.
Su saxofón tenor se eleva, áspero, suplicante, desgarrado entre lirismo y grito. Ayler parece querer hacer estallar la estructura armónica para alcanzar una forma de verdad emocional desnuda. Su sonido, rugoso y vibrante, evoca el canto humano en su estado más vulnerable. Tras él, el trío escandinavo —Niels-Henning Ørsted Pedersen (¡con solo 16 años!) al contrabajo, Nils-Bertil Dahlander en la batería y el pianista Nils Bronsted— intenta mantener un marco, pero es Ayler quien impone su lógica: la del desbordamiento.
Esta lectura singular, aún enraizada en el lenguaje del jazz tradicional, anticipa ya los fulgores del free jazz por venir. Ya se escucha allí el rechazo de las convenciones formales, la urgencia de decir, cueste lo que cueste, algo profundo sobre la condición humana. En 1963, pocos estaban preparados para escuchar ese grito venido del futuro. Pero retrospectivamente, esta interpretación se impone como un momento clave, una señal temprana de la revolución por venir.
On Green Dolphin Street: dal grande schermo al repertorio jazz
Composta nel 1947 da Bronislau Kaper, con testi di Ned Washington, On Green Dolphin Street fu scritta originariamente per la colonna sonora del film hollywoodiano Green Dolphin Street (in italiano Il paese del delfino verde), tratto dall’omonimo romanzo di Elizabeth Goudge pubblicato tre anni prima. Diretto da Victor Saville, il film vedeva protagonisti Lana Turner, Van Heflin e Donna Reed. Le musiche del film furono eseguite dall’orchestra di Jimmy Dorsey, in uno stile orchestrale tipico dell’epoca.
Benché concepito per il cinema, il brano conobbe una vera rinascita più di dieci anni dopo, quando Miles Davis lo inserì nel suo repertorio nel 1958. La sua interpretazione — registrata con John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Paul Chambers e Jimmy Cobb — consacrò On Green Dolphin Street come uno standard moderno, rapidamente adottato da numerose generazioni di musicisti.
Il pezzo si distingue per la sua struttura armonica raffinata, segnata da modulazioni e contrasti dinamici che lo rendono un terreno ideale per l’improvvisazione. Unisce influenze della musica classica europea, della canzone popolare americana e dei ritmi afro-cubani, offrendo una ricchezza ritmica e melodica particolarmente stimolante.
Albert Ayler: uno strappo nel tessuto del jazz
Quando Albert Ayler incide On Green Dolphin Street il 14 gennaio 1963 a Copenaghen, è ancora sconosciuto al grande pubblico. L’album My Name Is Albert Ayler segna il suo esordio discografico come leader, ma la sua interpretazione dello standard reso celebre da Miles Davis sconcerta quanto affascina. Lontano da ogni estetica post-bop levigata, Ayler affronta il brano come un campo di tensione tra tradizione ed espressione brutale. Il tema, appena abbozzato, serve soprattutto come punto di partenza per un’esplorazione profondamente personale.
Il suo sax tenore si alza, ruvido, implorante, lacerato tra lirismo e grido. Ayler sembra voler far esplodere la struttura armonica per raggiungere una forma di verità emotiva nuda. Il suo suono, grezzo e vibrante, richiama il canto umano nella sua forma più vulnerabile. Dietro di lui, il trio scandinavo —Niels-Henning Ørsted Pedersen (appena sedicenne!) al contrabbasso, Nils-Bertil Dahlander alla batteria e il pianista Nils Bronsted— cerca di mantenere un quadro, ma è Ayler a imporre la propria logica: quella del superamento.
Questa lettura singolare, ancora radicata nel linguaggio del jazz tradizionale, preannuncia già le folgorazioni del free jazz imminente. Si avverte già il rifiuto delle convenzioni formali, l’urgenza di dire, a ogni costo, qualcosa di profondo sulla condizione umana. Nel 1963, pochi erano pronti ad ascoltare quel grido venuto dal futuro. Ma a posteriori, questa interpretazione si impone come un momento spartiacque, un segnale precoce della rivoluzione in arrivo.
On Green Dolphin Street: from the silver screen to the jazz canon
Composed in 1947 by Bronislau Kaper with lyrics by Ned Washington, On Green Dolphin Street was originally written for the Hollywood film Green Dolphin Street, based on the 1944 novel by Elizabeth Goudge. Directed by Victor Saville and starring Lana Turner, Van Heflin, and Donna Reed, the film’s score was performed by Jimmy Dorsey’s orchestra in a lush, orchestral style typical of the era.
Although conceived as film music, the piece experienced a major revival over a decade later when Miles Davis introduced it into his repertoire in 1958. His version — recorded with John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Paul Chambers, and Jimmy Cobb — elevated On Green Dolphin Street to the status of a modern jazz standard, quickly embraced by successive generations of musicians.
The composition stands out for its sophisticated harmonic structure, marked by key changes and dynamic contrasts that provide fertile ground for improvisation. It weaves together influences from European classical music, American popular song, and Afro-Cuban rhythms, resulting in a rich melodic and rhythmic tapestry.
Albert Ayler: a tear in the fabric of jazz
When Albert Ayler recorded On Green Dolphin Street on January 14, 1963, in Copenhagen, he was still unknown to the general public. The album My Name Is Albert Ayler marked his debut as a bandleader, but his take on the standard made famous by Miles Davis was as baffling as it was captivating. Far from the polished aesthetics of post-bop, Ayler approached the piece as a field of tension between tradition and raw expression. The theme, barely sketched, mainly served as a launching pad for a deeply personal exploration.
His tenor saxophone rises—harsh, pleading, torn between lyricism and cry. Ayler seems intent on shattering the harmonic structure to reach a kind of naked emotional truth. His tone, rough and vibrant, evokes the human voice at its most vulnerable. Behind him, the Scandinavian trio—Niels-Henning Ørsted Pedersen (just 16 years old!) on bass, Nils-Bertil Dahlander on drums, and pianist Nils Bronsted—tries to hold a frame, but it is Ayler who imposes his own logic: that of transcendence.
This singular reading, still rooted in the language of traditional jazz, already hints at the eruptions of free jazz to come. One can hear the rejection of formal conventions, the urgency to express—at all costs—something profound about the human condition. In 1963, few were ready to hear that cry from the future. But in hindsight, this interpretation stands as a pivotal moment, an early signal of the revolution ahead.
